I den moderne filmkunstens store pantheon er det få skikkelser som inntar en så enestående og kjærlig utformet plass som Guillermo del Toro. Han er filmskaper, forfatter, kunstner – men fremfor alt er han en alkymist. I over tre tiår har han praktisert en unik form for filmatisk alkymi, der han tar det noen vil kalle «uetle materiale» – monstre, spøkelser, insekter og skrekkens rekvisitter – og forvandler det til fortellingens gull. Hans verk er et vitnesbyrd om en dyp og urokkelig tro på at monstre er «ufullkommenhetens skytshelgener», og at det i det groteske finnes en unik og poetisk skjønnhet.
Hans karriere er ikke en enkel utvikling fra lavbudsjettskrekk til Hollywood-prestisje, men et vedvarende, livslangt prosjekt med å bygge et filmatisk kuriositetskabinet. Hver film er en ny skuff i dette kabinettet, som avslører en omhyggelig designet verden der eventyr kolliderer med historiens brutale maskineri, og der de mest menneskelige karakterene ofte har horn, gjeller eller mekaniske hjerter. Denne urokkelige visjonen har ført ham til bransjens høyeste tinder og gitt ham Oscar-priser for Beste regi og Beste film for en film om en stum kvinnes kjærlighet til en elvegud, og en annen for Beste animasjonsfilm for en stop-motion-fabel om en tredukke i det fascistiske Italia. Guillermo del Toros reise er historien om en regissør som ikke endret sin visjon for å oppnå Hollywoods anerkjennelse, men som gjennom ren kunstnerisk dyktighet og overbevisning fikk Hollywood til endelig å verdsette den dype, monstrøse visjonen han alltid har hatt.
En barndom smidd i skygge og tro
Råmaterialet til hele del Toros kunstneriske visjon ble hentet fra gatene og hjemmene i hans fødeby, Guadalajara i Mexico, hvor han ble født 9. oktober 1964. Hans ungdom var en smeltedigel av dype og ofte motstridende påvirkninger. Han vokste opp i et strengt, dypt katolsk hjem under oppsyn av sin bestemor, en kvinne hvis tro både var en kilde til rik ikonografi og dypt rotfestet redsel. Hun så hans spirende fascinasjon for fantasi og skrekk ikke som en kreativ gnist, men som en åndelig sykdom. I sin misbilligelse av hans tegninger av monstre og demoner, utsatte hun den unge gutten for to separate eksorsismer og kastet vievann på ham i et forsøk på å rense hans sjel. Som en ytterligere form for bot la hun metallkorker i skoene hans så føttene hans skulle blø – en brutal, fysisk manifestasjon av religiøs skyld.
Flere artikler
Denne morbide katolisismen ble speilet av byens ufiltrerte virkelighet. Del Toro har snakket om sin tidlige, gjentatte eksponering for døden og har levende minner om å se ekte lik på likhus, i kirkekatakomber og på gaten etter ulykker eller voldshandlinger. Dette miljøet, hvor det hellige og det profane var i konstant, visceral dialog, formet et sinn som ikke så noen klar grense mellom det virkelige og det fantastiske. For å flykte trakk han seg tilbake til en fantasiverden og fant trøst, ikke hos helgener, men hos monstre.
Hans kreative impulser fant et utløp da han som rundt åtteåring begynte å eksperimentere med sin fars Super 8-kamera. Hans første filmer, med leker fra Apenes planet og andre husholdningsartikler i hovedrollene, var allerede gjennomsyret av en mørk, komisk følsomhet. En bemerkelsesverdig kortfilm handlet om en «seriemorder-potet» med ambisjoner om verdensherredømme, som myrdet sin familie før den uten videre ble kjørt over av en bil. Dette tidlige arbeidet avslører et sinn som allerede lekte med skrekksjangerens troper og fant en merkelig og vidunderlig kraft i det makabre. Den sentrale konflikten i del Toros senere verker – sammenstøtet mellom stive, grusomme institusjoner og det sjelfulle, misforståtte «monsteret» – var en direkte eksternalisering av denne barndommen. Han forkastet ikke bare sin bestemors tro; han tilegnet seg dens gotiske prakt og overførte dens følelse av ærefrykt og redsel til en ny, personlig mytologi av egen skapelse.
Håndverkerens læretid: Fra Necropia til Cronos
Del Toros reise fra ung hobbyist til profesjonell filmskaper ble bygget på et fundament av praktisk håndverk. Han ble tatt opp på filmstudiet ved Universitetet i Guadalajara, hvor han til og med ga ut sin første bok, en biografi om Alfred Hitchcock. Hans viktigste utdanning kom imidlertid ikke fra et klasserom, men fra et verksted. Han oppsøkte og studerte spesialeffekter og sminke hos den legendariske Dick Smith, kunstneren bak de banebrytende effektene i Eksorsisten. Dette mentorskapet var transformerende. I det neste tiåret dedikerte del Toro seg til håndverket, jobbet som spesialeffekt-sminkør og grunnla til slutt sitt eget selskap i Guadalajara, Necropia. I denne perioden finpusset han sine ferdigheter i meksikanske TV-serier som Hora Marcada, hvor han jobbet sammen med fremtidige samarbeidspartnere som Alfonso Cuarón og Emmanuel Lubezki, og var med på å grunnlegge Guadalajaras internasjonale filmfestival.
Denne dype, taktile forståelsen av hvordan filmmagi fysisk formes, støpes og vekkes til live, skulle bli grunnsteinen i hans regissørstil og innprente en livslang forkjærlighet for praktiske effekter som gir hans fantastiske skapninger en håndgripelig, visceral tyngde. Denne intensive læretiden kulminerte i hans spillefilmdebut i 1993, Cronos. Filmen, som ble finansiert med et budsjett på rundt 2 millioner dollar, som del Toro delvis dekket selv, var det ultimate uttrykket for hans reise som håndverker. Det var en film som ble finansiert av og bygget på hans ekspertise innen praktiske effekter. Cronos forteller historien om en eldre antikvitetshandler som oppdager en 400 år gammel, insektlignende anordning som gir evig liv, men til prisen av en vampyrisk tørst etter blod. Filmen var en fullt utformet programerklæring som introduserte verden for del Toros signaturmotiver: intrikate urverksmekanismer, insektbilder, et tragisk og sympatisk monster og en dyp kilde av katolsk symbolikk. Den markerte også hans første samarbeid med skuespilleren Ron Perlman, som spilte en brutal amerikaner på jakt etter anordningen.
Cronos ble en sensasjon i Mexico og vant ni Ariel-priser, inkludert for Beste film og Beste regi. Den vant deretter den prestisjetunge prisen ved Den internasjonale kritikeruken på filmfestivalen i Cannes og annonserte ankomsten av en forbløffende original stemme i verdensfilmen. I USA var dens utgivelse imidlertid begrenset, og den spilte inn bare 621 392 dollar. Filmen var en kritikeryndling, men en kommersiell fotnote – et mønster som skulle definere den neste fasen av hans karriere, da han beveget seg inn i hjertet av Hollywood-systemet.
Ilddåpen: Hollywood-prøvelsen med Mimic
Etter den internasjonale anerkjennelsen av Cronos gjorde del Toro sitt første inntog i det amerikanske studiosystemet med science fiction-skrekkfilmen Mimic fra 1997, produsert av Miramax’ sjanger-label, Dimension Films. Opplevelsen skulle vise seg å bli en traumatisk ilddåp. Han støtte stadig sammen med produsentene Bob og Harvey Weinstein, som han følte blandet seg i alle aspekter av prosjektet. Studioet satte spørsmålstegn ved hans beslutninger om plott, rollebesetning og tone og krevde en mer konvensjonell og «skumlere» film enn den atmosfæriske monsterfilmen del Toro hadde sett for seg. Det opprinnelige konseptet, som involverte spøkelsesaktige, hvite insekter, ble endret til gigantiske, muterte kakerlakker – et trekk som del Toro fryktet ville gjøre filmen hans til «den med de gigantiske kakerlakkene».
De kreative kampene ble så intense at Harvey Weinstein angivelig stormet inn på settet i Toronto for å instruere del Toro i hvordan han skulle regissere, og senere forsøkte å få ham sparket – et forsøk som bare ble forpurret av hovedrolleinnehaver Mira Sorvinos inngripen. Del Toro har siden kalt arbeidet med Mimic for en av de verste opplevelsene i sitt liv, en «forferdelig, forferdelig, forferdelig opplevelse», som han har sammenlignet ufordelaktig med kidnappingen av sin egen far. Han tok til slutt avstand fra den ferdige kinoversjonen av filmen, selv om han senere fikk mulighet til å gi ut en director’s cut i 2011 som gjenopprettet noen av hans opprinnelige intensjoner. Prøvelsen fikk ham nesten til helt å gi opp amerikansk filmproduksjon.
Det profesjonelle traumet fra Mimic hadde imidlertid en dyp og varig innflytelse på hans håndverk. Som reaksjon på at hans arbeid ble klippet om og kontrollert av studioet, utviklet del Toro bevisst en spesifikk regissørstil som en form for kreativ selvbevarelsesdrift. Han begynte å filme på en måte som trosset enkel omklipping, ved å anvende flytende, komplekse og ofte lange kamerabevegelser som vever seg gjennom settet. Denne «svevende kamera»-stilen, som nå hylles som et kjennetegn på hans kunst, ble født som en kalkulert overlevelsestaktikk. Det var en måte å gjøre kameraet til en fortellende karakter i seg selv og bygge inn den narrative logikken så dypt i det visuelle språket i et opptak at det ikke lett kunne demonteres i klipperommet. Smerten fra Mimic smidde de selvsamme verktøyene han ville bruke til å bygge sine fremtidige mesterverker.
Tilbake til røttene: Den spanske gotikken i Djevelens ryggrad
Rystet av sin Hollywood-prøvelse, foretok del Toro et strategisk og åndelig nødvendig tilbaketog. Han vendte tilbake til sine røtter, dannet sitt eget produksjonsselskap, The Tequila Gang, og innledet en spanskspråklig samproduksjon mellom Spania og Mexico. Resultatet ble Djevelens ryggrad (2001), en dypt personlig gotisk spøkelseshistorie som tjente som både en kreativ fornyelse og den tematiske malen for hans mest berømte verk.
Filmen ble produsert av den legendariske spanske regissøren Pedro Almodóvar og hans bror, Agustín, gjennom deres selskap El Deseo. Dette partnerskapet viste seg å være den perfekte motgiften mot giften fra Mimic. Del Toro fikk fullstendig kreativ frihet, et konsept så absolutt at da han ba om final cut, ble Pedro Almodóvar oppriktig forvirret og svarte: «Men, selvfølgelig, avgjørelsen er din!». Dette beskyttede miljøet ga del Toro mulighet til å gjenoppdage sin stemme og lege sårene fra sin tidligere film. Han gjenopplivet et manus han hadde skrevet allerede før Cronos, en fortelling som foregår i 1939 under det siste året av Den spanske borgerkrigen. Historien følger en ung gutt, Carlos, som blir sendt til et hjemsøkt barnehjem drevet av republikanske lojalister. Der konfronterer han ikke bare spøkelset av et myrdet barn, men også de meget menneskelige ondene som grådighet og vold, personifisert av vaktmesteren Jacinto. Filmen blander mesterlig overnaturlig skrekk med historisk tragedie og etablerer Den spanske borgerkrigen som det del Toro senere ville kalle en «spøkelsesmotor» – et historisk traume så dypt at dets spøkelser fortsetter å hjemsøke nåtiden.
Djevelens ryggrad ble hyllet av kritikere som et mesterverk i stemning og metafor. Viktigere for del Toro var det en bekreftelse på at hans kompromissløse visjon kunne resultere i sterk, resonant filmkunst. Han har beskrevet filmen som «bror-filmen» til Pans Labyrint, en mer maskulin motpart til den feminine energien i hans senere verk. Den kreative oppfyllelsen og kritiske suksessen med Djevelens ryggrad var den essensielle kunstneriske terapisessionen som ikke bare gjenopprettet hans selvtillit, men også la de grunnleggende temaene og historiske bakteppet for det magnum opus som skulle komme.
Erobringen av det brede publikum: Blade II og Hellboy-sagaen
Styrket av den kreative triumfen med Djevelens ryggrad, vendte del Toro tilbake til Hollywood, men denne gangen på sine egne premisser. Han overtok roret på vampyr-superhelt-oppfølgeren Blade II (2002), et prosjekt som ga ham mulighet til å fusjonere sin gotiske, monstrøse estetikk med høyoktan blockbuster-action. Lei av den romantiske «plagede viktorianske helter»-klisjeen, var han fast bestemt på å gjøre vampyrer skremmende igjen. Filmen ble en rungende suksess, spilte inn 155 millioner dollar og beviste at hans unike følsomhet kunne trives innenfor en mainstream-franchise. Han tok med seg sin signaturkjærlighet til praktiske effekter, intrikat vesen-design – som de skremmende «Reapers» med sine spaltede kjever – og stemningsfull, atmosfærisk belysning til tegneseriefilmenes verden og skapte det mange fans anser for å være trilogiens høydepunkt.
Denne suksessen ga ham den nødvendige innflytelsen i bransjen til å forfølge et prosjekt han hadde vernet om i årevis: en filmatisering av Mike Mignolas tegneserie Hellboy. Reisen for å bringe den vittige, rødhudede demonen til lerretet var en besværlig en, definert av del Toros urokkelige lojalitet og kunstneriske integritet. I sju år kjempet han med studioer som var nølende til prosjektet og, mest markant, til hans valg for hovedrollen. Del Toro var urokkelig i at bare én skuespiller kunne legemliggjøre karakterens sjel: hans venn og hyppige samarbeidspartner, Ron Perlman. Han nektet å lage filmen med noen andre og var villig til å ofre hele prosjektet fremfor å gå på kompromiss med det han følte var dens hjerte.
Hans utholdenhet bar frukter. Hellboy ble utgitt i 2004, etterfulgt av den enda mer fantastiske oppfølgeren, Hellboy II: The Golden Army, i 2008. Filmene er et levende utstillingsvindu for del Toros lidenskaper. De er fylt med betagende praktiske effekter og vesen-design, hvorav mange sprang direkte fra hans personlige notatbøker. Han tilnærmet seg disse franchise-filmene ikke som en regissør for hyre, men med den samme auteur-lidenskapen han brakte til sitt uavhengige arbeid. Han balanserte den eksplosive actionen med ekte patos og karakterbasert humor og menneskeliggjorde sin monstrøse helt og hans funne familie av «freaks». Dermed visket del Toro effektivt ut grensen mellom kunstfilm-kinoen og multiplexen og demonstrerte at for ham var en historie om et sympatisk monster et verdig foretak, uansett budsjett.
Mesterverket: Inne i Pans Labyrint
I 2006 ga Guillermo del Toro ut filmen som skulle komme til å definere hans karriere og sementere hans status som en av verdens fremste filmatiske visjonærer: Pans Labyrint (El laberinto del fauno). Som en internasjonal samproduksjon mellom Spania og Mexico var det et så personlig prosjekt at del Toro investerte sin egen lønn for å sikre dets ferdigstillelse. Filmen er den ultimate syntesen av hvert tema, innflytelse og besettelse som hadde formet hans liv og arbeid frem til det punktet.
Historien, som oppsto fra tjue års ideer, tegninger og plot-fragmenter samlet i hans omhyggelig førte notatbøker, foregår i 1944, fem år etter Den spanske borgerkrigen. Den følger en ung jente ved navn Ofelia, som reiser med sin gravide mor til en landlig militær forpost som kommanderes av hennes sadistiske nye stefar, den falangistiske kapteinen Vidal. For å unnslippe den brutale virkeligheten i sitt nye liv, oppdager Ofelia en gammel labyrint og en mystisk faun, som forteller henne at hun er en lenge forsvunnet prinsesse fra underverdenen. For å gjenvinne sitt kongerike må hun fullføre tre farefulle oppgaver.
Pans Labyrint er en mesterlig og hjerteskjærende blanding av et mørkt eventyr i stil med Brødrene Grimm og den ubønnhørlige brutaliteten i etterkrigstidens Franco-Spania. Fantasiverdenen er ikke en enkel flukt fra virkeligheten, men snarere en metaforisk linse som Ofelia bearbeider og konfronterer dens redsler gjennom. Temaene om valg og ulydighet er sentrale; Ofelia blir konstant satt på prøve, tvunget til å velge mellom blind lydighet overfor autoritære figurer som Vidal og Faunen og sitt eget medfødte moralske kompass. Filmens mest skremmende skapning, den Bleke Mannen, et barne-etende vesen, er en direkte allegori over fascismens og den medskyldige katolske kirkes institusjonelle ondskap.
Filmen hadde premiere på filmfestivalen i Cannes i 2006, hvor den ble møtt med en 22-minutters stående applaus, en av de lengste i festivalens historie. Den ble et globalt fenomen, spilte inn over 83 millioner dollar på et beskjedent budsjett på 19 millioner og oppnådde utbredt kritikerros. Den mottok seks Oscar-nominasjoner, inkludert for Beste originalmanus til del Toro, og vant tre Oscar-priser for Beste kinematografi, Beste scenografi og Beste sminke. Filmen var den perfekte destillasjonen av hele hans kunstneriske identitet, det verket som hele hans karriere hadde bygget opp mot, og den ga ham enorm kreativ kapital til alle hans fremtidige foretak.
Auteuren som produsent og samarbeidspartner
Etter den monumentale suksessen med Pans Labyrint, utvidet del Toros innflytelse seg langt utover hans eget regiarbeid. Han sementerte sin rolle som en sentral, generativ kraft i moderne fantasy-fortelling og brukte sin nyvunne innflytelse til å støtte andre filmskapere og utvide sitt kreative univers på tvers av flere plattformer. Hans arbeid som produsent er ikke en sidejobb, men en direkte forlengelse av hans impuls til å bygge verdener. Da han ikke personlig kan regissere alle de historiene som fanger hans fantasi – som hans berømte, men aldri realiserte, hjerteprosjekt, en filmatisering av H.P. Lovecrafts Ved Galskapens Fjell – bruker han sin innflytelse til å bringe tematisk beslektede verdener til live.
Han fungerte som produsent og mentor for anerkjente spanskspråklige skrekkfilmer som J.A. Bayonas Barnehjemmet (2007) og Andy Muschiettis Mama (2013) og pleiet nye talenter innenfor den sjangeren han elsker. Han ble også en sentral kreativ kraft innen animasjon og fungerte som utøvende produsent på DreamWorks Animation-filmer som Pus med støvler (2011), De fem legendene (2012) og oppfølgerne til Kung Fu Panda. Hans rekkevidde strakte seg også til blockbuster-franchiser og TV. Etter å ha vært tilknyttet som regissør til filmatiseringen av Hobbiten, trakk han seg til slutt fra regissørstolen, men forble en kreditert medforfatter på alle tre filmene i Peter Jacksons trilogi og formet dermed fortellingen om Midgard. Han kastet seg over TV som medskaper og utøvende produsent av FX-serien The Strain (2014-2017), basert på den trilogien av vampyrromaner han skrev sammen med Chuck Hogan. For Netflix skapte han den vidstrakte og elskede animasjonsfranchisen Fortellinger fra Arcadia, som omfatter seriene Trolljegerne, 3 nedenunder og Trollmenn. Gjennom disse ulike prosjektene kuraterer del Toro effektivt et større, felles univers av mørk fantasy og bruker sitt navn og sine ressurser til å bygge sitt «kuriositetskabinet» i en langt større skala enn han kunne oppnå alene.
En utradisjonell kjærlighetshistorie: Formen på en Oscar
I 2017 regisserte Guillermo del Toro filmen som skulle bringe ham bransjens ultimate heder: The Shape of Water. Filmens opprinnelse lå i et barndomsminne – å se Den sorte lagunes uhyre og ønske at monsteret og den kvinnelige hovedrollen kunne ha lyktes med sin romanse. Tiår senere brakte han det ønsket til live i et eventyr fra den kalde krigens æra som ble hans mest berømte verk.
Handlingen foregår i Baltimore i 1962 og handler om Elisa Esposito, en stum renholder på et hemmelig regjeringslaboratorium. Hennes liv i stille isolasjon forvandles da hun oppdager laboratoriets mest sensitive aktivum: et amfibisk, humanoidt vesen som er fanget i Amazonas-elven. Mens hun danner et taust bånd med vesenet, avslører hun en plan fra en sadistisk regjeringsagent om å dissekere det. Filmen er en vakker, melankolsk ode til outsidere, hvor Elisas funne familie – hennes homofile nabo som levde i skjul og hennes afroamerikanske kollega – representerer tidens marginaliserte stemmer. Laget på et relativt beskjedent budsjett på 19,5 millioner dollar, er The Shape of Water en mesterklasse i atmosfære og følelse, som bruker sin 1962-setting som et «eventyr for urolige tider» for å kommentere nåtidens sosiale og politiske bekymringer.
Filmen hadde premiere på filmfestivalen i Venezia, hvor den vant Gulløven, og fortsatte med å bli en kritiker- og prissesong-favoritt. Dens triumfaften kom ved den 90. Oscar-utdelingen. Filmen, som hadde fått ledende tretten nominasjoner, vant fire Oscar-priser, inkludert for Beste scenografi, Beste originalmusikk, Beste regi til del Toro og den ettertraktede prisen for Beste film. Det var et skjellsettende øyeblikk. I tiår var sjangerfilmer stort sett blitt henvist til tekniske kategorier av de store prisutdelingsorganene. Med denne seieren omfavnet Akademiet fullt ut del Toros livslange argument: at en historie om et monster og en romanse mellom en kvinne og en «fiskemann» kunne være like dyp, kunstnerisk og verdig bransjens høyeste ære som ethvert tradisjonelt drama. Det «uetle materiale» han så høyt verdsatte, var blitt alkymistisk forvandlet til filmatisk gull i etablissementets øyne.
En visjon i utvikling: Noir, animasjon og fremtiden
I årene etter sin Oscar-triumf har del Toro fortsatt å utvikle seg som kunstner, utforsket nye sjangere, mens han har fordoblet innsatsen på sine eldste lidenskaper. I 2021 ga han ut Nightmare Alley, en markant avvikelse som hans første spillefilm uten overnaturlige elementer. Som en overdådig og dyster filmatisering av William Lindsay Greshams roman fra 1946 er filmen en ren, mørk utforskning av menneskelig ambisjon og fordervelse, som demonstrerer hans beherskelse av klassisk film noir. Med sin fantastiske scenografi og en tour-de-force-prestasjon fra Bradley Cooper oppnådde filmen fire Oscar-nominasjoner, inkludert for Beste film, noe som beviste at hans kunstneriske kommando strakte seg utover det fantastiskes rike.
Han fulgte opp med et prosjekt som hadde vært underveis i over et tiår: Guillermo del Toros Pinocchio (2022). Ved å vende tilbake til sin første kjærlighet, stop-motion-animasjon, gjenfortolket han den klassiske fortellingen ikke som en barnehistorie, men som en mørk, dypsindig fabel om liv, død og ulydighet satt opp mot bakgrunnen av Mussolinis fascistiske Italia. Filmen var et teknisk og følelsesmessig vidunder, hyllet for sin håndlagde skjønnhet og sine modne, antifascistiske temaer. Den feide prissesongen og kulminerte i enda en Oscar-seier til del Toro, denne gangen for Beste animasjonsfilm.
Denne seieren har sementert en ny vei frem for regissøren. Han har uttalt at han etter et par live-action-filmer til planlegger å dedikere resten av sin karriere primært til animasjon, et medium han anser for å være den «reneste kunstform» og den som tilbyr mest kreativ kontroll. For en filmskaper som er besatt av omhyggelig verdensbygging – et ønske født av hans barndoms Super 8-filmer og forsterket av traumet fra studieinnblanding – representerer stop-motion den siste grensen. Det er det ene mediet hvor regissørens hånd bokstavelig talt er med i hvert eneste bilde, et direkte og kompromissløst uttrykk for hans vilje. Dette skiftet bringer hans reise full sirkel, fra gutten som animerte sine leker i Guadalajara, til mesteren som animerer sine dukker på en global scene.
En livslang lidenskap gjenopplivet: Frankenstein
I 2025 forventes del Toro å gi ut Frankenstein, et prosjekt som representerer kulminasjonen på en livslang kunstnerisk besettelse. For del Toro er historien ikke bare en klassiker i sjangeren; den er en personlig religion. Han har snakket om å se Boris Karloffs monster som barn og for første gang forstå, «hvordan en helgen eller en messias så ut». Denne dypt personlige forbindelsen har næret hans ønske om å filmatisere Mary Shelleys roman i tiår, mens han ventet på de rette betingelsene for å skape en versjon som kunne rekonstruere hele historiens verden i den rette skalaen.
Hans visjon for filmen er ikke en konvensjonell skrekkfilm, men snarere en «utrolig følelsesladet historie». Han sikter mot å gjenskape følelsen av å lese romanen for første gang, før dens karakterer ble kulturelle karikaturer. Fortellingen vil fokusere på det komplekse forholdet mellom skaper og skapning og utforske temaer om farskap og sønnskap som er dypt forankret i del Toros eget liv. Filmen har Oscar Isaac i hovedrollen som den geniale og egoistiske vitenskapsmannen Victor Frankenstein, med Jacob Elordi i rollen som hans tragiske skapning. På rollelisten er også Mia Goth, Christoph Waltz og Charles Dance. Filmen er planlagt til en begrenset kinopremiere den 17. oktober 2025, før den streames globalt på Netflix den 7. november 2025. Del Toro har beskrevet filmen som avslutningen på en æra for ham, en storslått syntese av de estetiske, rytmiske og empatiske bekymringene som har definert hans arbeid fra Cronos til i dag.
Ufullkommenhetens skytshelgen
Guillermo del Toros karriere er et vitnesbyrd om kraften i en enestående, dypt personlig visjon. Hans reise fra en monsterbesatt gutt i Guadalajara til en hyllet mester i moderne fabler er blitt definert av et urokkelig engasjement i sine kjerneoverbevisninger. Han har konsekvent forsvart de utstøtte, de «andre» og de ufullkomne og funnet i dem en sjelden skjønnhet som avspeiler vår egen feilbarlige menneskelighet. Hans sterke antiautoritære holdning, enten den er rettet mot fascismens maskineri eller kirkens dogmer, løper som en kraftig understrøm gjennom hele hans verk. Han er en auteur i ordets rette forstand, hvis tematiske opptatthet og distinkte visuelle språk er umiddelbart gjenkjennelige. Hans filmer er mørke, men håpefulle, groteske, men poetiske, og de opererer på den dype forståelsen at eventyr ikke er en flukt fra virkeligheten, men et avgjørende redskap for å navigere i dens mørkeste hjørner.
Guillermo del Toro skaper ikke bare monstre; han forstår dem, han elsker dem, og han ser dem som skytshelgener for en verden som desperat har behov for å omfavne sine ufullkommenheter. Dermed holder han et vakkert, merkelig og dypt empatisk speil opp for oss, for det monstrøse og det magiske inni oss alle.
