Cecily Brown og spørsmålet om tid: Hvorfor maleriet fortsatt betyr noe

I en kultur definert av hastighet og digital reproduksjon kan maleriet fremstå som nesten trassig i sin insistering på varighet. Cecily Browns tilbakekomst til London setter denne motstanden i fokus og plasserer hennes verk innenfor en større refleksjon over tid, minne og den vedvarende relevansen til maling som et fysisk og tenkende medium.

Brown har lenge vært forbundet med en form for figurativ abstraksjon der kropper og landskap trer frem, oppløses og dukker opp igjen i tette, energiske overflater. Hennes lerreter er rastløse. Penselstrøk kolliderer, smøres utover og bygger seg opp; perspektivet bryter sammen; figurer anes snarere enn fastslås. Det å se blir en aktiv, til tider usikker handling.

På Serpentine South vises nye arbeider side om side med malerier fra begynnelsen av 2000-tallet, noe som gjør det mulig å følge kontinuiteten i bestemte motiver. Elskende flettet sammen i skogkledde omgivelser, figurer halvt nedsenket i vannlandskap og scener som balanserer mellom pastoral idyll og erotisk ladning, vender tilbake gjennom tiårene. Gjentakelsen er ikke nostalgisk. Den antyder heller en utprøving av bildene, som om hver tilbakevending undersøker hvor langt et motiv kan strekkes før det sprekker.

Du vil kanskje også likePå MIT List Visual Arts Center gjør Goldin+Sennebys «Flare-Up» immunitet til en linse for å forstå økologi og makt

Natur er i Browns hender aldri bare beskrivende. Utstillingen trekker på den spesifikke konteksten Kensington Gardens, der galleriet ligger, men parken fungerer mindre som et konkret sted og mer som et mentalt landskap. Browns malerier har lenge visket ut grensen mellom menneskekropper og deres omgivelser. Kjøtt og løvverk smelter sammen; lemmer speiler grener; vann sluker konturer. Resultatet er en urolig sammensmelting der begjær og miljø er uatskillelige.

Dette samspillet mellom bilde og overflate er sentralt i Browns praksis. Hun har ofte beskrevet maleriet som en fysisk prosess ledet av mediet selv. I nyere lerreter som Froggy would a-wooing go og Little Miss Muffet, laget i 2024–2025, dukker referanser til barneregler opp bare for å bli forstyrret av tykke lag med maling. Små figurer inspirert av viktoriansk eventyrillustrasjon flimrer i ytterkanten av det lesbare. Fortellingen, hvis den i det hele tatt finnes, blir motarbeidet.

Andre tidligere verk som Bacchanal, Couple og Teenage Wildlife fremhever malingens sanselighet som materiale. Kropper presses mot hverandre, men konturene deres er ustabile og til tider umulige å skille fra terrenget rundt dem. Browns langvarige interesse for erotikk filtreres gjennom et malerisk språk som veksler mellom åpenbaring og tilsløring. Overflaten blir et spenningsfelt: Det som vises, er alltid i ferd med å bli absorbert tilbake i abstraksjonen.

Utstillingen inkluderer også tegninger og monotypier som peker på bredden i Browns visuelle referanser. Barnelitteratur, særlig universene til Beatrix Potter og Kathleen Hales Orlando the Marmalade Cat, står side om side med klassiske Ladybird-illustrasjoner. Dyr opptrer som stedfortredere for menneskelig atferd og speiler de moralske tvetydighetene i eventyr og formanende historier. Den tilsynelatende sødmen i disse kildene balanseres av en mørkere undertone. Uskyld er aldri helt trygg.

Browns biografi blir ofte fremstilt som en transatlantisk historie. Født i London i 1969 og utdannet ved Slade School of Fine Art, flyttet hun til New York i 1994 etter en formativ periode ved New York Studio School. Byens skala og dens maleriske tradisjoner viste seg å være avgjørende. Gjennom tre tiår har hun utviklet en praksis som samtaler like mye med Willem de Kooning og Francis Bacon som med britisk narrativ maleri og illustrasjon.

Likevel motsetter utstillingen i London seg en enkel forestilling om hjemkomst. I stedet plasserer den Browns arbeid i en lengre historie om maleri som et sted for tilbakevending og revisjon. Hennes gjentatte arbeid med bestemte komposisjoner — inkludert en nyere gruppe «nature walk»-malerier inspirert av et puslespillmotiv av en fallen trestamme som danner en bro over en elv — understreker hennes tro på variasjon som metode. Ved å endre skala, palett og format behandler hun maleriet som en pågående undersøkelse snarere enn en avsluttet erklæring.

Anbefalt lesning«Reconfiguring the Figure» på Pangolin London følger syv tiår med figurativ skulptur

Denne undersøkelsen føles særlig relevant nå. I et kulturelt øyeblikk dominert av digital sirkulasjon og umiddelbar reproduksjon insisterer Browns lerreter på fysisk tilstedeværelse. De krever at betrakteren står foran dem, justerer blikket og lar formene samle seg over tid. Betydning blir ikke levert; den forhandles.

Serpentines langvarige forpliktelse til gratis offentlig adgang forsterker denne dynamikken. Plassert i en kongelig park opererer galleriet i skjæringspunktet mellom fritid og kontemplasjon. Browns interesse for parkliv — par som spaserer, figurer som vandrer langs skogstier — speiler rytmene utenfor. Grensen mellom kunst og omgivelser blir porøs.

Til syvende og sist handler Picture Making mindre om å illustrere historier enn om å teste maleriets egen holdbarhet. Browns overflater registrerer gestene i sin tilblivelse; de er dokumenter over tid, nøling og revisjon. Slik bekrefter de maleriets evne til å romme kompleksitet uten å løse den opp.

Mens debattene om mediets fremtid fortsetter, antyder Browns utstilling at maleriets relevans ikke ligger i det nye, men i det vedvarende. Ved å vende tilbake til kjente bilder og la dem forandre seg gjennom årene, plasserer hun seg i en tradisjon der gjentakelse blir en form for tenkning. I det lagdelte rommet mellom figur og abstraksjon, mellom minne og umiddelbarhet, forblir maleriet en måte å se på som nekter å forsvinne.

Mer som dette

We AmeRícans ved Claire Oliver Gallery setter den puertoricanske arven og diasporaen i fokus

Tate Britain revurderer Turner og Constables parallelle arv

October Gallery presenterer Govinda Sah ‘Azads’ femte separatutstilling

Temple Bar Gallery + Studios og Southwark Park Galleries velger Emily Waszak til første internasjonale separatutstilling

LANZA atelier valgt til å utforme den 25. Serpentine-paviljongen

Patricia Urquiola utforsker designets evolusjon i «Meta-Morphosa» på CID Grand-Hornu