David Hockney og tiden i samtidsmaleriet

I en tid preget av flyktige bilder og stadig raskere visuelle strømmer inviterer David Hockneys nyeste malerier til å roe ned. Hans siste arbeider undersøker hvordan kunst kan romme tid – ikke som motstand mot forandring, men som en måte å leve med den på. Gjennom landskaper, portretter og stilleben løfter Hockney frem maleriet som et medium som kan fange kontinuitet, gjentakelse og dagenes stille gang, et perspektiv som er særlig relevant i dagens billedkultur.

I et øyeblikk der bilder ser ut til å forsvinne nesten like raskt som de blir til, stiller disse verkene et grunnleggende spørsmål: hva betyr det å bli værende lenge nok ved en scene til at tiden setter spor? Hockneys svar er verken nostalgisk eller defensivt. Maleriet fremstår snarere som en praksis for vedvarende oppmerksomhet, et rom der forandring ikke fryses, men observeres i sin langsomme bevegelse.

Utstillingen kommer på et tidspunkt der langsomhet har blitt en omstridt verdi. Samtidig som bildene sirkulerer raskere enn noen gang, fortsetter kulturinstitusjoner å spørre hva varighet betyr i kunsten i dag. Hockney vender seg ikke bakover, men insisterer på kontinuitet: maleriet er, til tross for sin lange historie, fortsatt et levende verktøy for å tenke gjennom endring.

A Year in Normandie folder seg ut som en monumental frise som følger årstidene gjennom vår, sommer, høst og vinter. Motivet er bevisst beskjedent – trær, stier, himmel, lys – men verkets tyngde ligger i varigheten. Panelene samler seg som spor av vedvarende oppmerksomhet snarere enn som naturillustrasjoner. Tiden presses ikke sammen i ett bilde, men får strekke seg, gjenta seg og bevege seg videre, en påminnelse om at forandring ofte skjer gradvis.

Opplevd i virkeligheten, og ikke bare gjennom reproduksjoner, fremstår frisen annerledes. Skalaen krever kroppslig deltakelse; betrakteren beveger seg langs verket og speiler tidsforløpet det skildrer. Denne fysiske relasjonen til tid kjennes særlig tydelig i en periode der skjermer flater ut erfaringer til øyeblikk ment for raskt konsum.

Ved siden av frisen vises nye malerier i mer intime formater: stilleben og portretter fra Hockneys nære omgangskrets. Selv om de er mindre i omfang, er de like gjennomtenkte. Den frontale komposisjonen og det gjentakende rutemønsteret på duken fungerer som strukturelle ankerpunkter. Motivene peker mot hverdagslige rutiner, men markerer også billedflaten og minner om at all fremstilling er en forhandling mellom dybde og overflate.

Hockney har lenge hevdet at all figurativt maleri i seg selv er abstrakt, ganske enkelt fordi det eksisterer på et flatt underlag. I disse nye arbeidene blir denne tanken synlig. Gjenstander og ansikter er gjenkjennelige, men fargebruk, mønstre og romlig kompresjon hindrer enhver illusjon av naturalisme. Bildene balanserer mellom intimitet og avstand, mellom nærhet og formell tilbakeholdenhet.

Særlig portrettene peker mot et annet forhold til tid enn den monumentale frisen. De registrerer ikke varighet, men nærvær. De avbildede er del av Hockneys daglige liv og fremstilles uten fortellende rammer eller psykologisk iscenesettelse. Stillheten bærer en lavmælt tyngde og signaliserer omsorg snarere enn opptreden. I en tid preget av konstant synlighet motsetter disse portrettene seg spektakulæret.

Den institusjonelle rammen er også viktig. Utstillingen presenteres på Serpentine North og markerer Hockneys første større samarbeid med institusjonen. Serpentine forbindes ofte med eksperiment og samtid, mens Hockneys arbeider her insisterer på kontinuitet og betydningen av lange kunstnerskap. I et kulturlandskap der nyhet ofte dominerer, fungerer dette som et tydelig korrektiv.

Utenfor galleriet forlenges utstillingen i den omkringliggende hagen gjennom et storskala trykt veggverk basert på Normandie-serien. Motivet av et trehus, forbundet med lek, observasjon og tilbaketrekning, anerkjenner Hockneys vedvarende interesse for digitale verktøy. Det trykte bildet erstatter ikke maleriet, men åpner for en annen måte å tenke bildet på.

Hockneys karriere er preget av utrettelig nysgjerrighet, fra tidlige studier av persepsjon til senere eksperimenter med fotografi og digital tegning. Det som binder disse fasene sammen, er ikke stil, men oppmerksomhet: mot hvordan vi ser, og hvordan det å se endrer seg over tid. Det aktuelle arbeidet markerer ingen ny retning, men tydeliggjør et langvarig engasjement.

Ved å vende tilbake til maleriets evne til å romme tid, stiller Hockney det opp mot kulturell glemsel. Verkene hevder verken maleriets overlegenhet eller trekker seg tilbake i tradisjon. De antyder i stedet at maleriet forblir relevant nettopp fordi det nekter hastighet. I en billedkultur styrt av umiddelbarhet blir denne langsomheten dypt samtidsrettet.

Det som sitter igjen etter besøket, er ikke ett enkelt bilde, men en rytme. En følelse av at tid fortsatt kan gjøres synlig når den vies tålmodig oppmerksomhet. I Hockneys hender blir maleriet mindre en erklæring og mer en praksis: en måte å bli værende i verden lenge nok til at den kan åpenbare seg.

David Hockney og tiden i samtidsmaleriet

Mer som dette

Tate Britain revurderer Turner og Constables parallelle arv

We AmeRícans ved Claire Oliver Gallery setter den puertoricanske arven og diasporaen i fokus

L’Atelier des Rêves etablerer et narrativt og tverrfaglig galleri i Paris

På MIT List Visual Arts Center gjør Goldin+Sennebys «Flare-Up» immunitet til en linse for å forstå økologi og makt

Paris: Christie’s auksjonerer bort mesterverker fra Veil-Picard-samlingen

Ervervelse og gjenforening av William Dobsons mesterverk ved Tate Britain

Diskusjon