Hajime Sorayamas roboter og maskinalderens kulturelle minne

Etter hvert som digitale systemer og kunstig intelligens omformer hverdagen, får bildene som samfunn bruker for å forestille seg teknologi stadig større betydning. Kunsten til Hajime Sorayama har lenge befunnet seg i dette landskapet og undersøkt hvordan maskiner speiler menneskelige verdier, fantasier og frykt. Hans arbeid, som spenner fra illustrasjon til skulptur og immersive miljøer, gir et blikk på hvordan moderne kultur har lært å se seg selv gjennom polerte overflater og mekaniske kropper.

En stor retrospektiv utstilling som åpner ved Creative Museum Tokyo, følger Sorayamas karriere fra slutten av 1970-tallet til i dag. Her presenteres arbeidet ikke som en rekke ikoniske bilder, men som en vedvarende undersøkelse av lys, refleksjon og transparens som kulturelle krefter HS_CMT_press release_en. Utstillingen kommer på et tidspunkt der det visuelle språket Sorayama var med på å forme — hyperpolerte overflater, antropomorfe maskiner og erotisert teknologi — har blitt allestedsnærværende, fra produktdesign til digitale avatarer.

Sorayama fikk først oppmerksomhet i 1978 med en robotillustrasjon laget for en whiskyannonse. Det som kunne ha forblitt et kommersielt oppdrag, ble grunnlaget for et livslangt prosjekt: oppfinnelsen av en metallisk kropp som verken er fullt menneskelig eller fullt mekanisk. Hans «Sexy Robot»-figurer, utført med obsessiv teknisk presisjon, introduserte et nytt estetisk vokabular der kromhud reflekterte ikke bare lys, men begjæret selv.

Du vil kanskje også likeDavid Zwirner presenterer nye verk av Yuskavage, Schutz og Bernhardt på Art Basel Miami Beach 2025

På 1980-tallet, i takt med at Japans teknologiske ambisjoner vokste og global populærkultur omfavnet science fiction-estetikk, sirkulerte Sorayamas arbeid langt utenfor kunstverdenen. Illustrasjonene hans dukket opp på plateomslag, i magasiner og i reklame, og formet i det stille en delt visuell forestillingsverden. I motsetning til mange kunstnere som nølende beveget seg mellom kunst og kommers, betraktet Sorayama grensen som porøs. Utstillingen gjør det klart at dette ikke var et kompromiss, men et standpunkt: en insistering på at visuell kultur, uansett hvor den opptrer, bidrar til å forme verdier.

Når man beveger seg gjennom utstillingens kronologiske forløp, står tidlige tegninger side om side med senere storskala lerreter og skulpturelle verk. Utviklingen er mindre tematisk enn teknisk. Sorayamas vedvarende opptatthet har vært hvordan man fremstiller selve lyset — hvordan refleksjoner bøyer seg, hvordan overflater løses opp, og hvordan transparens antyder dybde uten å avsløre substans. Maskinene hans fremstår feilfrie, men aldri livløse. Glansen antyder bevegelse, tid og potensiell forvandling.

Flere installasjoner oversetter denne besettelsen til det fysiske rommet. Speilbelagte miljøer mangfoldiggjør figurer i uendelige gjentakelser og destabiliserer betrakterens orientering. Videokunst plasserer robotkropper i drivende kosmiske landskap, der skala og tyngdekraft mister sin betydning. Disse opplevelsene handler mindre om spektakel enn om persepsjon: hvor lett øyet kan forføres, og hvor raskt visshet oppløses når man konfronteres med refleksjon.

Sorayamas roboter diskuteres ofte i forbindelse med seksualitet, og utstillingen viker ikke unna dette aspektet. Kvinnelig kodede kropper, nakne eller halvnakne, går igjen i hele hans produksjon, med positurer som minner like mye om klassisk skulptur som om pinup-illustrasjon. Det som trer frem over tid, er ikke provokasjon for provokasjonens skyld, men en vedvarende utforskning av hvordan begjær konstrueres. Ved å fremstille kropper som maskiner avdekker Sorayama den mekaniske logikken som allerede styrer idealer om skjønnhet, symmetri og perfeksjon.

Samtidig kompliserer retrospektiven enhver enkel lesning av arbeidet hans som futuristisk fantasi. Ved siden av humanoide roboter opptrer metalliske dinosaurer, haier og enhjørninger — skapninger hentet fra myte, barndomsminne og dyp tid. Disse figurene antyder at Sorayamas fremtidsvisjon er uløselig knyttet til nostalgi. Teknologi erstatter ikke historien i hans verk; den absorberer den og bevarer gamle symboler i nye overflater.

Utstillingens arkivseksjoner understreker denne kontinuiteten. Originaltegninger til Sonys AIBO-robot vises side om side med motesamarbeid og musikkrelaterte prosjekter, og viser hvordan Sorayamas billedspråk har beveget seg flytende på tvers av bransjer uten å miste sine kjerneanliggender. Snarere enn å utvanne praksisen hans, har disse kryssningene utvidet rekkevidden og forankret det visuelle språket i hverdagen.

Anbefalt lesningRuby Sky Stiler: «Long Pose» åpner hos Alexander Gray Associates

Sett under ett danner verkene et portrett av en kunstner som er mindre opptatt av forutsigelse enn av refleksjon. Sorayama forteller ikke betrakterne hvordan fremtiden vil se ut; han viser hvordan vi allerede forestiller oss den. De speilende overflatene returnerer blikket vårt og spør hva vi projiserer på maskiner — og hvorfor.

I en tid der samfunnene strever med stadig raskere teknologisk endring, får Sorayamas arbeid fornyet relevans. Det minner oss om at bilder ikke bare illustrerer fremskritt; de former de emosjonelle og etiske rammene som fremskritt forstås gjennom. I glansen fra polert metall, antyder utstillingen, ser vi ikke bare maskinenes fremtid, men også verdiene vi tar med oss videre.

Mer som dette

Kiki Smith-utstilling sidestiller nye og historiske verker

Rays, Ripples, Residue: 421 Arts Campus i Abu Dhabi kartlegger et tiår med kunst i Emiratene

L’Atelier des Rêves etablerer et narrativt og tverrfaglig galleri i Paris

Tate Britain revurderer Turner og Constables parallelle arv

Abstrakt modernisme og livets transcendens: En retrospektiv over Kenji Yoshida

Det kalde lerretet: Hvordan vintersport formet vårt kulturelle minne