Koreansk og japansk kunst vender blikket innover på ART OnO i Seoul

ARARIO GALLERY samler elleve koreanske og japanske kunstnere på SETEC i Seoul til ART OnO 2026 — ikke et kommersielt utstillingsvindu, men en presis tese om hva samtidskonstens nordøstasiatiske stemme søker å si akkurat nå.

Det finnes en kvalitet av tilbaketrekning i de verkene ARARIO GALLERY har samlet på Booth 101. Ikke flukt — tilbaketrekning som kunstnerisk metode. Maleriene, skulpturene og installasjonene i denne presentasjonen deler en felles avvisning av å utfolde seg utover. De komprimerer. De vender seg mot selvet, erindringen, den nesten umerkelige angsten som opererer under overflaten av den ordinære erfaringen. For et norsk publikum formet i en tradisjon som løper fra Edvard Munch til Odd Nerdrum — fra sjelens indre uro gjort synlig på lerret til den tidløse melankolien i figurativt maleri som nekter å tilpasse seg samtiden — er denne holdningen ikke fremmed. Men den ankommer her fra et radikalt annerledes kulturelt rom, og det er nettopp det som gir den dens særlige kraft.

SIM Raejung gjør denne holdningen strukturell: ensomhet, avmakt, konflikten mellom instinkt og sosial norm, oversatt til maleri og installasjon med bilder som destabiliserer uten å forklare seg. KANG Cheolgyu, hvis separatutstilling på ARARIO GALLERY SEOUL åpner i mai 2026, arbeider gjennom det han selv kaller projeksjon — personlig begjær og følelsesmessig historie oversatt til fiktive verdener, følelsenes selvbiografi snarere enn hendelsenes. Sammen formulerer de boothens tese før et eneste annet verk gjør seg synlig.

Du vil kanskje også likeJoAnne Artman Gallery presenterer «The Things We Keep» av Mary Finlayson

Tesen utdypes gjennom tre ytterligere registre. KOO Jiyoon, AN Gyungsu og Kohei YAMADA — født henholdsvis i 1982, 1975 og 1997 — forholder seg hver for seg til landskapet, men ingen versjon av landskapet her er trøstende eller panoramisk. KOO leser byene gjennom deres aldrende overflater og tidsmessige lag — bygningene som akkumulert psykisk tid, en lesning som i norsk sammenheng resonerer med tradisjonen for å betrakte arkitektur som kollektiv hukommelses arkiv, fra nasjonalromantikkens topografiske malerier til nåtidens melankolske skildringer av det postindustrielle Norge. AN Gyungsu finner sine motiver i den urbane romlighetens marginer, i materialer og steder som tilsynelatende er oversett eller kassert, og oppdager i denne periferien en flytende, rotløs sensibilitet. Hans utstilte verk Euseuseu (2025) innfanger kystklippens tekstur med en nesten fotografisk presisjon som akryl sjelden oppnår — en overflate som er samtidig geologisk og psykologisk. YAMADA, presentasjonens yngste kunstner, krysser grensen mellom by og natur gjennom geometriske fargeflater og kompositorisk tilbakeholdenhet — et abstrakt bildspråk som synliggjør forholdet mellom omgivelser og menneskelig persepsjon.

LEE Eunsil, LIM Nosik og CHA Hyeonwook besetter mellomregisteret — erindring og personlig erfaring, men med en presisjon som snarere nærmer seg selvets arkeologi enn nostalgi. LEE arbeider i spenningsfeltet mellom begjær og sosial tvang. LIM Nosik presenterer fragmenterte selvbilder, subjektet sett gjennom hindring eller distanse, aldri fullt ut leselig. CHA Hyeonwooks praksis er kanskje den mest materielt særpregede i hele presentasjonen: gjentatte tørre penselstrøk på hanji, det tradisjonelle koreanske papiret, stratifisert med mineralpigmenter — erindringsfragmenter som akkumuleres til overflate, selve hånden som erindringens handling. Hans utstilte verk Seen via Day Moon (2026) er visuelt ekstraordinært: et landskap av fantastiske klippe­formasjoner og himmellegemer der tradisjonelt koreansk materiale og kosmologisk fantasi støter sammen med noe helt nåtidig. Spørsmålet om forholdet mellom gestus, materie og betydning finner her et uventet ekko i den norske tradisjonen som, fra rosemalingens ornamentale hukommelse til samtidskunstens materialbaserte praksiser ved Kunsthøgskolen i Oslo, alltid har forstått det håndverksmessige som en bærer av kulturelt minne snarere enn bare estetisk form.

Det fjerde registeret — NOH Sangho, GWON Osang, Kohei NAWA — er der presentasjonen mest direkte engasjerer seg med samtidskonstens språk som en disiplin i ekspansjon. NOH Sangho benytter nettbilder og AI-genererte bilder som materialer i oljemaleri på lerret: hans verk HOLY (2026) er samtidig andaktsfullt og destabilisert — helgener og krigere samlet fra internettets bildestrøm, et maleri som reiser spørsmålet om hva det vil si å male når kildene er algoritmiske. Denne problematikken har en særlig resonans i Norge, der debatten om kunstig intelligens og bildeproduksjon har trengt inn i de etablerte kunstinstitusjonenes programlegging med en hastighet som speiler en kultur med høy teknologisk bevissthet og sterk tradisjon for kritisk offentlig samtale — fra Henie Onstad Kunstsenters tidlige engasjement med teknologi og kunst til den pågående diskusjonen i Norsk Billedkunstnere om AI og opphavsrett. GWON Osang har i tiår stilt spørsmål ved skulpturens identitet innenfra og produserer verk som traverserer det fotografiske og det tredimensjonale uten å slå seg ned i noen av delene. Kohei NAWA — boothens internasjonalt mest anerkjente kunstner — arbeider med materiale og overflate på tvers av skulptur, installasjon og ulike medier. Hans verk PixCell-Random (Cloud) #09 (2026) fortsetter hans langvarige undersøkelse av hvordan persepsjon medieres av objektene som interponeres mellom betrakter og bilde: glasskuler påsatt et fotografisk substrat i en treramme, som synes å pikselere en sky og bryte den i noe som er simultant digitalt og taktilt.

Det koreansk-japanske paret bærer en tyngde som pressematerialet ikke navngir direkte. Det kulturelle forholdet mellom disse to landene er blant de mest komplekse i Øst-Asia — kolonialhistorie, estetisk utveksling, vedvarende spenning og genuin gjensidig påvirkning som opererer samtidig. Å plassere Kohei NAWA og Kohei YAMADA side om side med ni koreanske kunstnere i en kunstmessebooth i Seoul er ikke en nøytral gest. Det foreslår — diskret men tydelig — at delte estetiske anliggender utgjør et regionalt kunstspråk som overskrider nasjonale grenser. Norge, hvis kulturelle selvforståelse alltid har hvilet på evnen til å navigere mellom det lokale og det globale — fra Munchs europeiske karriere til Nasjonalmuseets konsekvent internasjonale programlegging og den norske kunstverdenens tidlige og genuine interesse for østasiatisk estetikk — er særlig godt plassert til å lese dette forslaget i hele dets kompleksitet.

Seoul har de siste årene konsolidert sin posisjon som verdens kunsthovedstad, dels takket være den institusjonelle troverdigheten generert av Frieze Seouls ankomst, dels gjennom den ekstraordinære veksten i koreansk samleri — et fenomen som nå er fullt synlig på de store auksjonshusen og i de galleriene som, fra Oslo til Bergen, har rettet en voksende oppmerksomhet mot den østasiatiske samtidsscenen. ART OnO opererer innenfor dette utvidede økosystemet — ikke ved dets internasjonalt mest synlige ytterpunkt, men i den bærende infrastrukturen som holder et seriøst kunstmarked funksjonsdyktig.

Det ARARIO GALLERYs presentasjon på ART OnO 2026 i siste instans tilbyr, er en motvekt — til fortellingen om koreansk samtidskunst som globalt spektakel. Elleve kunstnere, to land, én felles orientering: ikke mot verden, men mot den indre arkitekturen i det å være i den. På et marked som tidvis har belønnet synlighet fremfor alt annet, argumenterer denne boosten med presisjon for dybdens sak — og minner om at den mest varige kunsten alltid er den som nekter å la seg se i sin helhet.

Mer som dette

Materien mot det digitale tomrommet: Den fysiske motstanden ved Art Basel Hong Kong

The Frick Collection presenterer New Yorks første utstilling viet Gainsboroughs portrettkunst

The Current i Stowe presenterer fotografisk analyse av Giacomo d’Orlando

Hvordan Brassaï gjorde den moderne byen synlig etter mørkets frembrudd

Nektingens estetikk: Hvorfor den mest kraftfulle kunsten i 2026 handler om å slutte

Temple Bar Gallery + Studios og Southwark Park Galleries velger Emily Waszak til første internasjonale separatutstilling