Museet for samtidskunst i Tokyo (MOT) viser en storstilt utstilling om Sol LeWitt som fremhever hvordan hans systemer, instrukser og modulære tenkning flyttet etterkrigskunsten fra objektet til idéen. Med «open structure» som overordnet premiss samler presentasjonen veggtegninger (wall drawings), tredimensjonale strukturer, arbeider på papir og kunstnerbøker, og beskrives av museet som den første betydelige LeWitt-oversikten ved et offentlig museum i Japan. Kuratert av Ai Kusumoto (MOT) og gjennomført i samarbeid med Estate of Sol LeWitt, plasserer utstillingen planlegging, regelsystemer og serielle prosedyrer som verkets motor. I museets lesning er LeWitts bidrag mindre en stil enn en arbeidsprotokoll: verket springer ut av en idé, en plan eller en prosess, og realiseringen består i å utføre denne rammen. Perspektivet gjør tydelig hvordan tilnærmingen har omdefinert både opphavsrollen og verkenes institusjonelle etterliv.
Utstillingen understreker LeWitts formulering av en konseptuell praksis der planleggingen kommer før og styrer gjennomføringen. Den kuratoriske teksten presiserer at planens forrang foran produktet preger utvalget, blant annet i modulære arbeider som kombinerer kubeenheter for å vise hvordan seriell progresjon bestemmer form, som i strukturen One, Two, Three, Four, Five as a Square. Sett samlet fremstår LeWitts atelier som et sted der prosedyrer utformes for å kunne utføres av andre uten at den kunstneriske intensjonen kompromitteres. Museet ser denne rammen som nøkkelen til å forstå kunstnerens videre innflytelse på produksjon, sirkulasjon og reinstallasjon.
Et kjernepunkt i presentasjonen er veggtegningene—et livslangt prosjekt for LeWitt—som utføres av opplærte installasjonsteam etter kunstnerens skriftlige instrukser eller diagrammer. Etter visning males veggene ofte over igjen, et operativt valg som understreker prosedyrenes primat og idéens portabilitet. MOT viser seks eksempler for å demonstrere hvordan et regelsystem oversettes til linjer, buer og felter under hvert galleriums konkrete betingelser. I dette formatet fordeles opphavsrollen bevisst mellom det opprinnelige konseptet og hendene som realiserer det, og varighet omtolkes som gjentakbarhet snarere enn fysisk bestandighet. Veggtegningene synliggjør et system i arbeid og forvandler galleriet til et rom der instruksjoner antar materiell form.
© 2025 The LeWitt Estate / Artists Rights Society (ARS), New York. Courtesy Paula Cooper Gallery.
Selv om mange forbinder LeWitt med stramme svart-hvitt-skjemaer og skjelettaktige strukturer, fremhever presentasjonen også faser med mer komplekse former og mettede farger. Museet leser disse utviklingene som en utvidelse av metoden snarere enn et brudd: enkle systemer og klare instrukser består, samtidig som det uttrykksmessige registeret for regelstyrt arbeid utvides. Resultatet er en oeuvre som forblir tydelig forankret i en prosedyrelogikk selv når den utforsker ulike visuelle registre—from nøkterne linjeprogresjoner til intense fargeflater. På tvers av disse skiftene ligger forpliktelsen til instruksjon, serialitet og modulær tenkning fast.
Begrepet «open structure» trer klarest frem i LeWitts kubiske arbeider, der flatene fjernes og de bærende kantene forblir synlige. Ved å blottlegge stillaset gjør disse arbeidene sin egen konstruksjon lesbar: hva som regnes som en enhet, hvordan en sekvens skrider frem, og hvor et system tillater variasjon. I serien allment omtalt som Incomplete Open Cube antyder fraværet av visse kanter en struktur grepet midt i en forvandling—mindre et ferdig objekt enn et forslag til hvordan form kan genereres, rekonfigureres og leses. Museet tolker dette som en demontering av forestillingen om perfeksjon og invariabilitet, i tråd med LeWitts interesse for regler som inviterer til forandring fremfor å befeste stillstand. Skulpturene fungerer som diagrammer i rommet og inviterer publikum til å rekonstruere reglene som har frembrakt dem.
Selv når instruksene er presise, registrerer hver veggtegning stedets kontingenser og de utførendes tolkning. Rom, overflate, skala og hånd påvirker utfallet, og denne variasjonen forstås som en integrert del av verket—ikke som en mangel. Museet kobler uttrykkelig denne holdningen til LeWitts syn på delbare ideer: kunst som et sett forslag andre kan føre videre under definerte vilkår. Det stanser ikke ved retorikk; det er innskrevet i verkenes prosedyreliv, som kan reinstalles, tilpasses nye sammenhenger og fornyes ved hver realisering. Variasjon er ikke et kompromiss, men et innebygget kjennetegn ved en kunst som prioriterer ideers sirkulasjon fremfor det unike objektets fiksering.
Presentasjonen vektlegger også LeWitts publisistiske virksomhet og hans rolle i å etablere distribusjonskanaler for idébasert kunst utenfor tradisjonelle markeder. For å la konsepter sirkulere friere produserte han en rekke kunstnerbøker og var med på å grunnlegge Printed Matter i New York sammen med blant andre kritikeren Lucy R. Lippard—en organisasjon viet distribusjon av kunstnerpublikasjoner utenfor konvensjonelle kanaler. Denne virksomheten settes i linje med samme filosofi som styrer veggtegningene: et engasjement for prosedyrer som kan overføres, forstås og utføres av mange. Bøker og instruksjoner fungerer her som parallelle bærere—begge gjør reproduserbarhet og spredning til sentrale meningsbærere.
I et bredere samtidskunstperspektiv plasserer museet LeWitt som en nøkkelfigur i skiftet mot verk forstått som tankeroom heller enn som unike objekter for kontemplasjon. Hans tekster og praksis fungerer som referanse for instruksjonsbasert og konseptorientert kunst, der regler, algoritmer og modulære systemer blir generative verktøy snarere enn begrensninger. Ved å rekonfigurere velkjente strukturer—rutenett, kuber, sekvenser—åpnet kunstneren et kreativt intervall innenfor ordenen og foreslo at struktur kan åpne muligheter i stedet for å lukke dem. Utstillingen hevder at denne arven fortsatt virker og informerer pågående diskusjoner om prosess, reproduserbarhet og institusjonelt ansvar.
Den kuratoriske tilnærmingen ber publikum lese galleriet som et miljø der ideer utfolder seg gjennom prosedyre—ikke som et lager av diskrete objekter. Linjer, buer og modulære enheter presenteres som spor av konseptuell aktivitet snarere enn som signaturer for individuell uttrykksevne. Presentasjonen oppmuntrer til oppmerksom observasjon av hvordan enkle regler skaper kompleksitet, og hvordan distribuert opphav—mellom kunstner, utførende team og institusjoner—omorganiserer velkjente forestillinger om det unike kunstverket. I denne lesningen består LeWitts bidrag av et sett operative prinsipper for å skape og dele kunst i offentligheten: klare instruksjoner, åpne strukturer og vilje til å la ideer reise.
For besøkende finner utstillingen sted i Exhibition Gallery 1F ved Museum of Contemporary Art Tokyo. Åpningstidene er 10.00–18.00 (billettsalg til 30 minutter før stengetid); galleriene er stengt mandager og på øvrige stengedager kunngjort av museet. Billetter: voksne 1 600 yen; universitets- og høyskolestudenter samt besøkende over 65 år 1 100 yen; elever i videregående skole og ungdomsskole 640 yen; gratis for barn i barneskolealder og yngre. Henvendelser: +81-3-5245-4111 (sentralbord). Oppdateringer og praktisk informasjon finnes på museets nettsider. Utstillingen er organisert av Museum of Contemporary Art Tokyo, drevet av Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture, i samarbeid med Estate of Sol LeWitt; kurator: Ai Kusumoto.
Utstillingsperiode: 25. desember 2025 — 2. april 2026.
