Pangolin London viser Reconfiguring the Figure, en gruppeutstilling som tar utgangspunkt i Lynn Chadwicks praksis for å belyse den figurative skulpturens utvikling fra etterkrigstiden og frem til i dag. Ved å sette modernistiske britiske navn opp mot nåtidens posisjoner undersøker utstillingen hvordan figuren gjennom flere tiår er blitt utfordret, fragmentert og satt sammen på nytt i takt med skiftende materialer, metoder og kontekster. Snarere enn å fremme én samlet tese kartlegger presentasjonen flere tilnærminger til kroppen—direkte fremstilling, symbolsk substitutt, speilende overflate og databasert avbildning—samtidig som den viser linjer av kontinuitet mellom generasjoner.
Chadwicks arbeider utgjør utstillingens historiske akse. Han erstattet mykt modellert masse med konstruerte, kantede former og skapte mannlige og kvinnelige figurer—ofte alene eller i par, kappe-kledde, bevingede, gående, sittende eller hvilende—hvis tydelige silhuetter bevisst holder følelsesmessig avstand. Polerte bronseansikter speiler betrakterens blikk og gjør selve iakttakelsen til en del av verkets tematikk. Chadwick formulerte denne tilbakeholdte strategien i en ofte sitert setning: «No expression is an expression».
I sentrum for installasjonen står Stairs, den mest omfattende skulpturen i den eponyme serien. To kvinneskikkelser passerer hverandre på en enkel trapp—en situasjon som kan leses som et høflig nikk eller som likegyldighet—fanget i øyeblikket mellom bevegelse og stillstand. Verket tydeliggjør kunstnerens arbeidsmåte: en lineær, sveiset armatur bygges opp til et samlet volum. Prosessen forener arkitektonisk klarhet med latent spenning og bidro til å prege en avgjørende fase i britisk etterkrigsskulptur.
Dette formspråket settes i relieff av kunstnere fra midten av 1900-tallet som drev figuren i sanselige, symbolske, skjelett- eller maskinlignende retninger og slik utfordret klassiske forventninger. I Geoffrey Clarkes Horse and Rider møtes smidd jern og drivved hentet på en normannisk strand; den hybride konstruksjonen fanger periodens eksperimentvilje, da sveising og assemblage åpnet nye veier for figurasjon utover støp og tradisjonell hugging.
Andre arbeider fra samme periode oversetter levd erfaring og historiske ettervirkninger—ofte knyttet til krig—til skulpturale termer. George Fullards The Infant St George bærer spor av støt og sår i grovt bearbeidede tre- og metallflater, mens Elisabeth Frinks Soldier’s Head II komprimerer volumet til et arrmerket, trossert hode som fungerer både som emblem og som vitne. Selv når britisk skulptur beveget seg målrettet mot abstraksjon, holdt kunstnere som Frink og Fullard fast ved menneskekroppen som et sted for fornyelse. Figuren overlevde paradigmeskiftet og viste seg elastisk nok til å romme hver generasjons bekymringer, idealer og verktøy.
Herfra beveger Reconfiguring the Figure seg inn i det 21. århundre og undersøker hvordan samtidspraksiser utvider selve begrepet «figur». Figurasjon er ikke lenger bundet til bokstavelig fremstilling av kroppen, men inkluderer strategier for å formidle menneskelig nærvær og følelse gjennom speiling, vitenskapelig bildedannelse og ikke-menneskelige stedfortredere, samt i møtet mellom analoge og digitale prosesser.
I Human Error presenterer Zachary Eastwood-Bloom buster i speilglass basert på data generert av kunstig intelligens. De oppleves samtidig som velkjente og bevisst fremmede; de kaster betrakterens bilde tilbake og viderefører Chadwicks refleksive overflater, men plasserer møtet i dagens identitetsdiskusjoner i digitale miljøer. Verket fungerer like mye som et grensesnitt som et portrett—forestillingen om personen trer frem som noe som medieres av algoritmer og av blikkets mekanikk.
Angela Palmer flytter representasjonen forbi overflaten og inn i kognisjonens arkitektur. I The Last Frontier, utviklet i samarbeid med Harvard Medical School, har hun—med utgangspunkt i tusen mikroskanninger av hjernen—gravert et tredimensjonalt bilde inn i tjueåtte lag med glass. Sett samlet kondenseres lagene til et svevende, lysbærende volum som bringer vitenskapelig bildeteknikk inn i skulpturens praksis. Resultatet utvider figuren til det cerebrale: et portrett bygget opp av lag og transparenser snarere enn én ubrutt form.
Laura Ford nærmer seg figurasjonen via dyrekroppen. Days of Judgement – Cat 2, inspirert av Masaccios Utdrivelsen fra paradiset, viser en høy, kattelignende skikkelse gjennomtrukket av tilbakeholdt uro. Uten tydelig mimikk, men med merkbar spenning, blir figuren et surrogat for jeget—et kar for skyld og selvransakelse. Med denne allegoriske kroppen viser Ford hvordan sårbarhet og motstandskraft kan bli synlige uten direkte menneskelig avbildning.
Samlet utvider disse posisjonene figurasjonens vokabular og forblir likevel forankret i Chadwicks eksperimentelle arv. Enten gjennom hugging, støp, sveising, assemblage, reflekterende flater eller medisinsk bildedannelse, forblir figuren et smidig verktøy for å undersøke hva menneskelig nærvær i skulptur består av. Kroppen—åpent fremstilt eller bare antydet—er fortsatt det mest tilpasningsdyktige mediet for å utforske menneskelig erfaring i materialet.
Kunstnerlisten gjenspeiler bredden. Fra midten av 1900-tallet deltar Kenneth Armitage, Michael Ayrton, John Bridgeman, Ralph Brown, Reg Butler, Lynn Chadwick, Geoffrey Clarke, Elisabeth Frink, George Fullard, John Hoskin, Bryan Kneale, F. E. McWilliam, Eduardo Paolozzi og Rosemary Young. Blant samtidige posisjoner finner vi Anthony Abrahams, Victoria Atkinson, David Bailey, Glenys Barton, Jon Buck, Terence Coventry, Zachary Eastwood-Bloom, Abigail Fallis, Laura Ford, Sue Freeborough, Thomas Merrett, Breon O’Casey, Angela Palmer, William Tucker og Anastassia Zamaraeva.
Presentasjonen ledsages av dokumentasjon. En katalog er tilgjengelig på forespørsel, og referansebildene omfatter blant annet Chadwicks Stairs (bronse), Clarkes Horse and Rider (jern og drivved), Frinks Soldier’s Head II (bronse), Palmers The Last Frontier (gravert i tjueåtte glassplater) og Eastwood-Blooms Father Sky / Uranus (bronse). Materialet underbygger utstillingens metodiske fokus—hvordan valg av medium og arbeidsprosess former hva en «figur» kan være.
Ved å samle arbeider som spenner fra sveisede armaturskjeletter til lagvis gravert glass og AI-avledede speilbyster, presenterer Pangolin London figurasjonen som et pågående undersøkelsesfelt, ikke en fast kategori. Utvalget viser hvordan billedhuggere bruker figuren til å forhandle nærhet og avstand, overflate og dybde, anatomi og analogi. Underveis møter publikum kropper som vises direkte, antydes gjennom reflekterende plan eller rekonstrueres ut fra vitenskapelige data. I alle tilfeller bærer figuren representasjonens tyngde og prøver samtidig dens grenser for fortsatt å kunne oppfattes som menneskelig.
Sted og datoer: Pangolin London, Kings Place, 90 York Way, London N1 9AG — Reconfiguring the Figure vises fra 19. november 2025 til 24. januar 2026.
