I den tidvis mettede musikalfilmverdenen er det få produksjoner som bærer et så stort ansvar som denne adapsjonen av Gregory Maguires og Stephen Schwartz’ verk. Det som startet som en litterær vri på USAs mest berømte skurk, har etter tiår med suksess blitt mer enn bare underholdning: Det er en samtale om moral, berømmelse og hvor ødeleggende makt kan være.
Hvis den første filmen inviterte oss til å trosse tyngdekraften, lover denne konklusjonen noe mer jordnært og visceralt: en definitiv utforskning av hva det vil si å bli forandret for alltid. Under tittelen Wicked: For Good er filmen ikke en enkel oppfølger for å binde løse tråder. Den er innfrielsen av et narrativt løfte som har tatt årevis å bringe til lerretet i den skalaen den fortjener. Når vi dykker ned i denne produksjonen, finner vi et fascinerende økosystem der kvinnevennskap, kunstnerisk integritet og det gamle Hollywoods juridiske kuriositeter krysses for å redefinere, nok en gang, den gule mursteinsveien.
Avskjedens semantikk: Fra «For Good» til «Del II»
Under produksjonen var prosjektet kjent som simpelthen den andre delen. Regissør Jon M. Chu og teamet hans bestemte seg imidlertid for å gi den den engelske tittelen Wicked: For Good. Selv om den på enkelte markeder vil beholde en mer direkte tittel, er det verdt å dvele ved skapernes opprinnelige intensjon, for det er en prinsipiell erklæring.
Originaltittelen var ikke et markedsføringspåfunn. For Good refererer direkte til en av musikkteaterets mest ikoniske og tåredryppende duetter: avskjedssangen mellom hovedpersonene. I tillegg er det et uoversettelig ordspill som beriker underteksten: På engelsk betyr for good både «for alltid» (en ugjenkallelig endring) og «til det gode» (en velvillig intensjon). Filmen søker å være en enhet med sin egen identitet, en opplevelse som står på egne ben og som lover å sette et uutslettelig preg, uavhengig av hvordan vi navngir den på plakaten.
Den alkymiske kjemien: Cynthia og Ariana
Hvis det er et hjerte som slår under de visuelle effektene og kostymene, er det den elektriske forbindelsen mellom Cynthia Erivo (Elphaba) og Ariana Grande (Glinda). Filmens suksess avhenger av at båndet deres føles ekte. Heldigvis overgikk det som skjedde på settet fiksjonen: De smidde et søsterskap som ble drivkraften gjennom hele innspillingen.
Sårbarhet og direktesang
Cynthia Erivo har beskrevet arbeidet med Grande som en «toveiskjørt gate» basert på generøsitet. Det var ingen tvungne prøver for å skape kjemi; «klikket» var umiddelbart. Erivo forteller hvordan Ariana besøkte henne hjemme før innspillingen, bare for å snakke om livet, og slik skapte det tillitsgrunnlaget som var nødvendig for det som skulle komme.
Og den tilliten var avgjørende. I motsetning til nesten alle moderne musikaler, hvor man mimer til studioinnspilte spor, insisterte regissøren på radikal autentisitet: å synge live på settet. Erivo forklarer at å synge er en ekstremt sårbar handling, et sprang ut i tomheten uten sikkerhetsnettet fra post-produksjonen. For å klare det, inngikk de en pakt: å ta vare på hverandre og beskytte hverandres kreative rom.
Dette forvandler det vi ser på lerretet. Når karakterene sliter med å puste eller bryter sammen følelsesmessig, gjenspeiler stemmene deres den virkelige fysiske anstrengelsen. Ariana Grande, kjent for sin pop-presisjon, tillot seg å være uperfekt, og lot stemmen skjelve eller briste hvis øyeblikket krevde det.
Avskjedens emosjonelle vekt
Klimakset i dette samarbeidet kom under filmingen av musikalnummeret «For Good». Etter sigende var det ikke bare en vanlig innspillingsdag; det var en katarsis. Grande innrømmet at de gråt nesten daglig på grunn av historiens intensitet, men den sangen var knusende.
Da de filmet den scenen, spilte de ikke lenger skuespill. De hadde levd karakterenes utvikling og forsto dypt hva de la bak seg. Det var ikke bare sangteknikk; det var resultatet av måneder med felles vekst. Det tekniske teamet, som vanligvis er ganske stoisk, endte opp med tårer i øynene. For å forsegle dette, tok skuespillerinnene matchende tatoveringer på hendene: en valmue og uttrykket «For Good». En permanent påminnelse om at, som sangen sier, de har forandret hverandre til det bedre.
Latter mellom tårene
Men alt var ikke drama. Settet hadde også mye menneskelighet og morsomme øyeblikk. En herlig anekdote involverer Glindas berømte boblekjole og en parfymeflaske som lagde en knirkelyd midt i et opptak, noe som utløste et latteranfall hos Ariana som smittet over på alle. Eller Jonathan Bailey (prinsen Fiyero), som i en scene med maksimal romantisk spenning hadde et «uhell med en blomst» som ødela opptaket, men løsnet opp stemningen. Det virale vennskapet er tydelig selv i intervjuer, der en enkel gest fra Ariana som holder Cynthias hånd, blir et meme for emosjonell støtte.
Et mørkere og mer realistisk Oz
Visuelt beveger Wicked: For Good seg bort fra den mettede glansen i klassisk fantasy og inn i et mørkere og mer modent terreng. Jon M. Chu har vært tydelig: Hvis den første delen handlet om undring og oppdagelse, handler denne om konsekvenser og motstand.
Den dystopiske innflytelsen
Chu siterer innflytelser som The Truman Show for å forklare denne endringen. Oz opphører å være et paradis og avsløres som en politistat der propagandaen råder. Estetikken gjenspeiler denne oppvåkningen: Etter hvert som karakterene ser sannheten bak Trollmannen, forsvinner den kunstige glansen. Kulissene ble designet for å være «på randen av galskap», og blander skjønnheten fra Art Nouveau med en følelse av tyngde og undertrykkende virkelighet.
Håndgripelig magi
I en tid med grønnskjermer, satset de her på det håndgripelige. Tusenvis av ekte tulipaner ble plantet, og massive fysiske sett ble bygget. Ideen er å forankre magien i fysikken; når Elphaba flyr, reagerer omgivelsene på ekte. Cynthia Erivo utførte mange av sine egne stunts, inkludert en fluktsekvens ved hjelp av et trinsesystem som krevde ren fysisk styrke. Magien har her en synlig kostnad og innsats.
Gåten om Dorothy og sølvskoene
Her kommer en fascinerende detalj for filmelskere: Filmen håndterer forbindelsen til Trollmannen fra Oz (1939) og originalromanen med stor intelligens og respekt for opphavsrett.
Tilbake til det litterære opphavet
Hvis du forventer å se de berømte rubinskoene, vil du få deg en overraskelse: De er sølvfargede. Det er ingen feil, det er en historisk korreksjon og en juridisk nødvendighet. I romanen fra 1900 var skoene sølvfargede. Det var MGM-filmen fra 1939 som endret dem til røde for å fremheve Technicolor. Siden «rubinskoene» er eid av Warner Bros. (og dette er en Universal-film), kunne de ikke bruke dem.
Men teamet gjorde denne begrensningen til en dyd. Ved å bruke sølvskoene, er de tro mot boken og Broadway-musikalen. I handlingen til Wicked: For Good er disse skoene dessuten et arvestykke fra moren til Elphaba og Nessarose, noe som gir dem en emosjonell ladning som går utover det å være en enkel magisk gjenstand.
Piken uten ansikt
En annen dristig avgjørelse er hvordan de behandler Dorothy. Selv om hun utløser slutten på historien, holder filmen henne som en perifer, nesten «ansiktsløs» figur. Vi vil ikke se hennes nærbilder eller hennes indre reise. Kameraet er lojalt mot Elphaba og Glinda. Ved å vise Dorothy bakfra eller på avstand, beskytter filmen det ikoniske bildet vi har av henne, men understreker at denne historien ikke tilhører henne. Det er en elegant avgjørelse: Denne gangen er det heksen som har mikrofonen, ikke jenta som drepte henne.
Nye lyder for en gammel verden
Stephen Schwartz, den opprinnelige komponisten, har kommet tilbake for å utvide det lydlige universet, og sikrer at spranget til lerretet rettferdiggjøres med nytt materiale.
«The Girl in the Bubble» og «No Place Like Home»
To nye sanger som ikke er med i teaterstykket er lagt til. «The Girl in the Bubble» (Piken i boblen), fremført av Ariana Grande, utforsker berømmelsens ensomhet. Mens Oz forguder henne, viser sangen isolasjonen ved å leve i en boble av perfeksjon, ute av stand til å knytte ekte bånd.
«No Place Like Home» (Ingensteds er som hjemme), sunget av Cynthia Erivo. Tittelen er en briljant ironi over Dorothys berømte frase. I Elphabas munn snakker den om smerten ved eksil og følelsen av å ikke høre til i sitt eget land. De er ikke fyllstoff; filmen tillater en nærhet til stillheten og introspeksjonen på en måte som teatret noen ganger ikke tillater, og disse sangene fyller de emosjonelle tomrommene.
En luksuriøs rollebesetning
Utover hovedpersonene bidrar birollene med avgjørende nyanser. Michelle Yeoh (Madame Morrible) blir mer illevarslende, og bruker meteorologi som et politisk våpen. Jeff Goldblum (Trollmannen) gir oss en blanding av karisma og patos, og viser en middelmådig mann som er skrekkslagen for å miste makten sin. Jonathan Bailey (Fiyero) fullfører den emosjonelle trekanten med en tragisk transformasjon som er smertefullt knyttet til mytologien om Fugleskremselet. Og Ethan Slater (Boq) har en utvikling som planter frøene til hans fremtid som Tinnmannen, med subtile detaljer som hans letthet til tårer, et forvarsel om hans rustne skjebne.
Handlingen: Fra berømmelse til eksil
Wicked: For Good gjenopptar handlingen akkurat der den forrige slapp, men alt er forandret. Elphaba lever i eksil, demonisert som den «Onde Heksen», og kjemper fra skyggene. Glinda, derimot, er regimets glamorøse symbol i Emerald City, og forbereder seg til bryllupet med Fiyero, men er fanget i et gyllent bur designet av Morrible for å distrahere massene.
Konflikten bryter ut når Glinda forsøker å forhandle frem en umulig fred mellom sin venninne og Trollmannen. Det er en fortelling som utforsker den personlige kostnaden ved aktivisme mot den moralske prisen for medvirkning.
En feiret og fantasifull gjenfødelse av Oz-verdenen
Det som gjør Wicked: For Good så fengslende, er ikke bare hvordan den slutter – en slutt de fleste av oss kjenner fra populærkulturen – men hvordan den gir begynnelsen ny mening. Når rulleteksten går, er løftet at vi aldri vil se Trollmannen fra Oz på samme måte igjen. Den onde heksen er ikke lenger et flatt monster, men en tragisk aktivist; den gode heksen er ikke en plettfri frelser, men en politisk overlever som ofret sin sannhet for å bevare freden.
Produksjonen har vært omhyggelig for ikke å svikte ånden i verket, men modig nok til å utvide det. Fra å dele historien i to for ikke å ofre utvikling, til å kreve direktesang for å fange de rå følelsene. Det er et prosjekt som hedrer Broadway, men bruker filmen til å gå lenger.
Reisen har vært lang, og har overvunnet streiker og årevis med utvikling. Men ventetiden er over. Wicked: For Good kommer på kino i USA 21. november, med en forskjøvet internasjonal lansering. Det er på tide å fly, ikke på sopelimer, men i en historie som minner oss om at noen ganger, for å gjøre godt, må man være villig til å bli kalt ond.
