Guillermo del Toro, filmskaperen som lærte oss at skjønnhet kan ha gjeller og at uskyld ofte krever ulydighet for å overleve, har alltid befunnet seg i et ukomfortabelt rom: skjæringspunktet mellom estetisk skrekk og radikal ømhet. Hans fortellerunivers er et vedvarende argument for det defekte, det marginaliserte og det herlig ukorrekte. For mange forteller ikke Del Toro bare historier; han tegner et emosjonelt kart som rettferdiggjør eksistensen av det samfunnet iherdig forsøker å skjule.
Det uperfekte monsterets bankett: Et dypt personlig innblikk
Denne dypt personlige visjonen er den sentrale aksen i Sangre del Toro – Guillermo del Toros univers, dokumentaren som presenteres som det mest intime røntgenbildet av hans kreative psyke. Det er mindre en formell biografi og mer en fordypning i den mentale arkitekturen som gir liv til skapningene hans. Regissert av den franske filmskaperen Yves Montmayeur, en dokumentarist med bred erfaring i å utforske filmens verden som presenterte verket i seksjonen Venice Classics, beveger filmen seg bevisst bort fra den kronologiske tidslinjen. Montmayeur, som har en to tiår lang karriere bak seg, søker å tilby en «intim reise» inn i det kreative universet og portretterer Del Toro ganske enkelt «i et øyeblikk av hans liv».
Dokumentaren fokuserer på å nøste opp den mentale arkitekturen til regissøren fra Guadalajara. Det er ikke en klassisk biografi, men den trenger rett inn i regissørens sinn og samler vitnesbyrd fra Del Toro selv og nære samarbeidspartnere, som produksjonsdesigner Eugenio Caballero. Visuelt benytter filmen seg av et genialt grep: den bruker mange bilder fra den gigantiske utstillingen En casa con mis monstruos (Hjemme med mine monstre), som ble vist i Guadalajara i 2019. Utstillingen er i seg selv et studieobjekt, da den fokuserer på kunsten rundt det som anses som monstrøst, ikke bare i fysisk form, men også i dets «oppførsel eller betydning».
Ved å blande dette enorme personlige arkivet med scener fra hans store produksjoner, som Hellboy, Pans labyrint eller The Shape of Water, bruker dokumentaren samlingen som om den var biografien selv. Utstillingen, som er en syntese kuratert av Del Toro over alle hans påvirkninger (fra meksikanske sakrale kunstgjenstander til referanser til Edgar Allan Poe), gjør det mulig for dokumentaren å kartlegge regissørens psykologiske utvikling uten å måtte følge en lineær kalender. Filmens struktur etterligner dermed den assosiative og ikke-lineære naturen til Del Toros egen fantasi.
«Vi må være ødelagte»: Filosofien om kunst uten stamtavle
Om det finnes et filosofisk punkt som definerer den meksikanske regissørens vesen, og som dokumentaren fanger på en avgjørende måte, er det hans forsvar av det ukorrekte. Del Toro overrasket i Venezia med en uttalelse som blir den sentrale tesen i hans kunst: ufullkommenhet er ikke en mangel, men den nødvendige kilden til skapelse. Ved å fange regissørens stemme i et øyeblikk av stor overbevisning, understreker dokumentaren hans påstand om at ufullkommenhet er noe ettertraktelsesverdig.
Del Toro formulerte det slagkraftig og med en dose svart humor: «Vi kan være ødelagte og skape kunst. Faktisk må vi være ødelagte!» Denne ideen går utover en enkel tillatelse til å feile; det er en dyp refleksjon over autentisitet. Sann kunst, antyder han, må fødes ut av ubehag og friksjon. Denne filosofien rundt feilbarlighet presenteres som en kraftig avvisning av kravene til renhet eller perfeksjon som pålegges av rigide strukturer.
Det retoriske spørsmålet Del Toro stiller, avslører den sosiale hensikten med arbeidet hans: «Vi har ingen posisjon i kirken, vi er ikke politikere, så hvorfor skulle vi være perfekte?» Ved å kvitte seg med behovet for en moralsk eller institusjonell stamtavle, frigjør kunstneren seg til å portrettere den menneskelige sannheten i dens «råeste trekk». Aksepten av disse feilene og denne iboende «elendigheten» kobles direkte til en av de store fortellermessige motorene i hans filmografi: ulydighet.
Hvis den etablerede orden krever en uoppnåelig perfeksjon (dogmer, makt), så blir handlingen å omfavne sin egen ufullkomne virkelighet den mest moralske og menneskelige handlingen. Det er ulydighet som leder Ofelia i Pans labyrint til å søke sannheten, og det er aksepten av dødelighet og ufullkommenhet som lar hans Pinocchio oppnå menneskelighet. Ved å trekke disse parallellene viser dokumentaren at Del Toros verk er et vedvarende argument mot hvitvaskingen av den sosiale og emosjonelle virkeligheten, der monsteret brukes som et verktøy for verdighet.
Labyrintene i Guadalajara: Meksikansk blod i global skrekk
For å forstå hvor denne appetitten på det gotiske og ufullkomne stammer fra, reiser Sangre del Toro – Guillermo del Toros univers nødvendigvis til Guadalajara. Dokumentaren dykker ned i regissørens formative barndom, en periode som var preget av en barnlig frykt for døden. Del Toro deler i filmen hvordan foreldrene hans etterlot ham på kinoen fra klokken ti om formiddagen for å se skrekkfilmer, et ritual som sådde hans tidlige og dype kjærlighet til sjangeren.
Dette tidlige og praktiske forholdet til film ble etablert i en overraskende ung alder. Del Toro forteller hvordan han lagde sin første film som åtteåring ved hjelp av farens Super 8-kamera. Denne detaljen understreker at hans identitet som filmskaper ikke var et sent kall, men en uttrykksfull nødvendighet som manifesterte seg nesten fra vuggen. Filmen sporer ikke bare opprinnelsen til hans teknikk, men også til hans estetikk. Ankerpunktene for hans gotiske stil avsløres som dypt lokale.
Hans smak for det gotiske, innrømmer han, kommer fra den imponerende katedralen i Guadalajara. Dessuten identifiseres den meksikanske kulturen, med sin fortrolighet og kult rundt døden, som et element som er «svært dypt rotfestet i Del Toros ånd». Denne koblingen står i kontrast til den vanlige fortellingen som ofte ser skrekkfilm som rent eurosentrisk, og viser at Del Toro filtrerte sjangeren gjennom prismet av fatalitet og latinamerikansk barokk melodrama, noe som løfter den meksikanske ikonografien til et nivå av innflytelse like vitalt som de klassiske monstrene. Et konstant narrativt element i historiene hans er kjærligheten til labyrinter, en fascinasjon som regissøren også tar opp i dokumentaren. Labyrinten er per definisjon en struktur for søken og forvirring som innkapsler frykten og behovet for å finne en vei gjennom et opplevd kaos. Ved å koble disse narrative strukturene til hans hjemgeografi, understreker dokumentaren at Del Toros «blod» er en udelelig blanding av global skrekk og tradisjon fra Guadalajara.
Bleak House: Samlingen som en eksternalisert samvittighet
Hvis Del Toros barndom forklarer opprinnelsen til hans fascinasjon, er hans personlige samling i Los Angeles, kjent som The Bleak House (et nikk til Charles Dickens), den fysiske materialiseringen av dette sinnet. Dokumentaren bruker denne residensen, som er et uvanlig museum fylt med mer enn 600 gjenstander som speiler hans besettelse, til å utforske hans evige fascinasjon for det monstrøse.
Den berømte utstillingen En casa con mis monstruos, hvis bilder er en visuell grunnpilar i dokumentaren, er i bunn og grunn den offentlige eksporten av hans kreative bevissthet. Samlingen er bevisst eklektisk, da dens formål er å undersøke det monstrøses kunst, ikke bare i fysisk form, men også i dets «oppførsel eller betydning». Utstillingen avslører Del Toros metodikk: hvordan han tar vidt forskjellige og utenlandske påvirkninger (fra Poe og Lovecraft til Moebius) og transformerer dem ved å sette dem i kontekst med den meksikanske fantastiske fantasien. Dette inkluderer sammenligningen av utenlandske mytologier med sakral kunst og politisk karikatur fra Mexico, som har historiske røtter som går tilbake til kolonitiden.
Denne dedikasjonen til gjenstandene hans går langt utover enkel samlemani. Da en del av samlingen hans ble pakket ned for utstillingen på Los Angeles County Museum of Art (LACMA), innrømmet regissøren at han følte seg dypt ukomfortabel og erklærte at huset føltes «tomt». Han betrakter disse skapningene og gjenstandene som sine «følgesvenner» og sin «omsorgsperson». Denne detaljen avslører en dypt menneskelig og sårbar side ved regissøren. Bleak House er ikke bare et kunstlager, men et psykologisk fristed. Ved å vise denne emosjonelle avhengigheten av hans «monstre», illustrerer dokumentaren hvordan samling blir en forsvarsmekanisme mot kaoset i omverdenen. Han er en kunstner som trenger å bygge et fysisk tilfluktssted for sin fantasi, og filmen dokumenterer det intime forholdet mellom mannen og skapningene hans.
Antagonistens anatomi: Den sanne skrekken bærer dress og slips
Utforskningen av Del Toros sinn i Sangre del Toro – Guillermo del Toros univers avslører at hans fascinasjon for monstre alltid har vært en indirekte form for samfunnskritikk. Et grunnleggende premiss i hans filmkunst er at maktstrukturer og systemisk undertrykkelse er de virkelige antagonistene, ikke fantasiskapningene. Filmene hans, som Pans labyrint, bruker fantasien som «tilflukt og motstandshandling» mot «voksenverdenens undertrykkelse og vold».
Regissøren identifiserer kilden til det moderne monsteret som ideologisk. Brutaliteten stammer ikke fra biologien eller det overnaturlige, men fra «skråsikkerhet, dogmer og det å følge ideen om at det finnes ‘vi og de’». Oppdeling er for Del Toro roten til umenneskelighet, og filmene hans søker å eksponere autoriteten som maskerer grusomhet. Faktisk hevder han at dagens mest brutale monstre bærer «dress og slips».
Denne filosofien får en vital, moderne relevans når Del Toro bruker den på umiddelbare sosiale problemer. I dokumentaren høres han reflektere over migrasjonens tilstand og beklage hvor «absolutt forferdelig» det er å se migrasjon som en skadelig faktor. Han betrakter denne holdningen som galskap, siden et land som USA ble «skapt på grunnlag av migrasjon». Ved å koble monsterets arketype, et marginalisert og avvist vesen (som Frankensteins monster), til den moderne migrantens opplevelse, forvandler Del Toro skrekksjangerens klassiske troper til en umiddelbar politisk lignelse om fremmedgjøring og grensers grusomhet. Dokumentaren bekrefter at under den mørke fantasiens overflate finnes en opphavsmann med et dypt humanistisk engasjement som søker empati selv i de mest deformerte karakterene.
En siste forestilling: Slutten på en syklus og den neste forvandlingen
Sangre del Toro – Guillermo del Toros univers ser ikke bare bakover, men dokumenterer et profesjonelt vendepunkt. Dokumentaren fanger atmosfæren av samarbeid og generøsitet som definerer hans kreative prosess. Del Toro, kjent for sin evne til å inspirere teamene sine, beskrev en av hovedrolleinnehaverne sine som en som ville gjøre rollen sin til «en bankett», noe som bekrefter hans forpliktelse til et miljø som fremmer uttrykksfullhet og høy kreativ ytelse.
Men det mest avslørende vitnesbyrdet fra regissøren er hans egen selvevaluering. Del Toro bekrefter kategorisk at hans siste filmprosjekt representerar slutten på en æra: «Jeg visste at det er slutten på en syklus, det er jeg helt på det rene med.» Ifølge ham kulminerte alt han praktiserte og produserte gjennom tre tiår med regi i den filmen, noe som markerer et punktum før en «ny syklus» begynner.
Denne erklæringen gir Sangre del Toro – Guillermo del Toros univers en spesiell historisk tyngde. Dokumentaren, regissert av Montmayeur, blir ikke bare en casestudie i kreativitet, men den definitive retrospektiven over filosofien, påvirkningene og metodikken som definerte den første fasens Guillermo del Toro: mannen bak Pans labyrint, The Shape of Water og den animerte Pinocchio. Ved å dokumentere den kreative bevisstheten akkurat når kunstneren erklærer avslutningen på sin dominerende estetiske fase, fungerer filmen som den essensielle krøniken over det «blodet» som drev disse tre tiårene med fantasi. Montmayeurs verk er derfor en kulminasjon og et farvel, et detaljert kart over den tilbakelagte veien før den neste kunstneriske metamorfosen.
Møtet på Netflix
Gjør dere klare til å tre inn i det mest ømme og skremmende sinnet i moderne filmkunst, for den intime reisen i Sangre del Toro – Guillermo del Toros univers har premiere på Netflix den 21. november.
