Lee Ufan, kunstneren som gjorde en stein og en stålplate til filosofi

Lee Ufan

Født	24. juni 1936 Seoul
Yrke	Maler og billedhugger
Priser	Ordenen for kulturell fortjeneste · Ho-Am Prize in the Arts · Æreslegionen

Lee Ufan har brukt mesteparten av sitt yrkesliv på å forsøke å gjøre mindre. En kampestein plassert foran en plate av ubehandlet stål. Et grått penselstrøk trukket over et lerret stort som en vegg, helt til penselen går tørr. Han kaller dette en kunst som handler om møter, ikke om å skape, og har argumentert for den i essays og museumshager fra Naoshima til Versailles. Problemet, om det er et problem, er at det minimale har blitt umiskjennelig. Samlere får øye på en Lee på lang avstand, selv i en fullpakket kunstmesse, auksjonshusene vet hva hvert strøk er verdt, og kunstneren som ville tre tilbake fra objektet, står nå, nitti år gammel, i sentrum for en feiring av sitt eget navn som strekker seg over fem land.

Vanen med å rette blikket mot svært lite kom tidlig. Han vokste opp sør på den koreanske halvøya mens den fortsatt var under japansk styre, i Haman County og senere i Busan. Hjemme sørget en konfusiansk bestefar for at han lærte kalligrafi, blekkmaling og kinesiske klassikere. Lee har sagt at han alltid foretrakk bøker fremfor pensler. Han begynte å studere maleri ved Seoul National University, men ble der bare noen måneder før han reiste til Japan for et familieærend, med medisiner til en syk onkel. Onkelen ba ham bli. Det gjorde han, og begynte i stedet å lese filosofi.

I 1961 hadde Lee, som ble født 24. juni 1936, en filosofigrad fra Nihon University i Tokyo, der Martin Heidegger var hans store besettelse. Et kort opphold i Sør-Korea førte til konflikt med militærregjeringen, og midt på 1960-tallet var han tilbake i Japan, der han skrev minst like mye som han malte. Hans første separatutstilling åpnet på Sato Gallery i Tokyo i mars 1967. I 1969 vant essayet hans «From Object to Being» en kritikerpris, og tekstene hans om billedhuggeren Nobuo Sekine satte ord på det Sekine hadde gjort i en park i Kobe i 1968: gravd et dypt, sylindrisk hull og reist den utgravde jorden ved siden av som en søyle. Verket, Phase—Mother Earth, ble det grunnleggende verket i Mono-ha, tingenes skole.

Lee ble bevegelsens teoretiker og dens mest veltalende stemme. Essayene hans, samlet i 1971 under tittelen In Search of Encounter, argumenterte for at kunsten burde slutte å produsere bilder og i stedet la ting, mennesker og rom komme i kontakt med hverandre, slik at verden kunne fremtre, med hans egne ord, slik den er. Skulpturene fulgte etter tekstene. I Phenomena and Perception B slapp han en stein ned på en glassplate og lot sprekkene løpe dit de ville. Fra begynnelsen av 1970-tallet ga han nesten alle skulpturene sine den samme tittelen, Relatum: steiner ved siden av stålplater, glass, bomull eller gummi, hver og en et forhold snarere enn et objekt. Fire tiår senere gjenskapte han glassverket på Guggenheim, der han huket seg over platen med kampesteinen i hendene.

Malingen vendte tilbake i en strammere form. Seriene From Point og From Line, som først ble vist på Tokyo Gallery i 1973, er laget med malt mineralpigment bundet med lim av dyrehud, materialene fra nihonga-tradisjonen han hadde tatt opp i seg. Hvert merke får ett strøk maling og gjentas til penselen er tømt, slik at punktene og linjene falmer over lerretet som et åndedrag som ebber ut. I 1975 var Lee rådgiver for Five Korean Artists, Five Kinds of White på det samme galleriet. Utstillingen, med Park Seo-bo og fire andre malere, var med på å lansere dansaekhwa, koreansk monokromt maleri, som en bevegelse. Han underviste ved Tama Art University fra 1973 til 2007 og har lenge delt tiden sin mellom Kamakura og Paris.

De senere verkene skreller bort nesten alt. With Winds, malt mellom 1987 og 1991, lot løsere og raskere strøk krysse overflaten. Correspondence, påbegynt i 1991, reduserte lerretet til ett eller to gråblå strøk av oljemaling og knust stein, mens Dialogue-maleriene fra de siste to tiårene setter et enkelt, firkantet strøk, bygget opp av mange lag, opp mot et vidt, hvitt felt. Institusjonene fulgte etter: en første amerikansk retrospektiv utstilling på Guggenheim i 2011, hagene ved Versailles i 2014 og hele plassen foran Hirshhorn i Washington i 2019. Tre museer bærer nå navnet hans: ett på øya Naoshima, tegnet av Tadao Ando i 2010, Space Lee Ufan i Busan, som har vært åpent siden 2015, og Lee Ufan Arles, i et herskapshus Ando renoverte, som åpnet i 2022.

Det er her suksessen gjør argumentasjonen ubehagelig. En kunst som handlet om å ikke skape, viste seg å være svært lett å lese, og et enkelt grått strøk er lett å kjenne igjen og, som markedet oppdaget, lett å kopiere. Et lerret fra From Line fra 1976 ble solgt hos Sotheby’s i 2014 for 2 165 000 dollar, og mellom 2000 og 2011 var flere av verkene hans blant de hundre høyeste salgsprisene på koreanske auksjoner enn verkene til noen annen kunstner. I 2016 slo politiet i Seoul og National Forensic Service fast at tretten malerier som ble tilskrevet ham, var forfalskninger. Lee undersøkte selv lerretene, sa at de var hans, og klaget over at etterforskerne hadde presset ham til å innrømme at noen av dem ikke var det. Domstolene ga politiet medhold: I 2017 dømte dommere i Seoul forhandlerne og en maler bak forfalskningene til fengselsstraffer på opptil sju år. Det etterlot et ubehagelig spørsmål om en kunstner som snakker om å fjerne selvet fra verket: Hvis hånden betyr så lite, hvem avgjør hvilken hånd det var? Kunsthistorikeren Joan Kee kalte ham en gang mannen som var overalt og ingen steder, og formuleringen virker begge veier.

Ingenting av dette har fått ham til å sette ned tempoet. Lee fylte nitti år 24. juni, og året er lagt opp rundt ham. Dia åpnet en langvarig presentasjon på Dia Beacon i mai, med utgangspunkt i åtte malerier han ga stiftelsen i 2025, og San Marco Art Centre i Venezia viser en større presentasjon som sidearrangement til biennalen, åpen fram til 22. november. I juli åpnet Palais des Papes i Avignon fire installasjoner som var omarbeidet for kapellene, kjøkkenet og klosterhagen i pavepalasset. De er en del av markeringen av 140 år med diplomatiske forbindelser mellom Frankrike og Korea og blir stående til 15. november. 16. oktober åpner Serralves Foundation i Porto Fragments of Infinity, hans første store utstilling i Portugal, med et maleri laget spesielt for villaen.

Så kommer Köln. Museum Ludwig deler ut Wolfgang Hahn-prisen til ham 6. november og åpner en separatutstilling dagen etter. Den står fram til 4. april 2027, og inntil 100 000 euro er satt av til å kjøpe verk av ham til museets samling. Lee har alltid sagt at steinen betyr like mye som hånden som plasserer den. I Köln, som i Porto og Avignon denne høsten, vil hånden fortsatt være hans.

Tagger: artists, Lee Ufan, From Line, From Point, koreansk kunst, Mono-ha